Samedi 2 juin

Place du Marché au centre ville

Venez me rendre visite …

Lee Ufan, artiste coréen

Lee Ufan est né en Corée en 1936. Peintre, sculpteur, écrivain et philosophe Lee Ufan débute sa carrière d’artiste à la fin des années 60.

Lee Ufan crée en 1968 le groupe d’avant-garde Mono-ha (ou « Ecole des choses », mouvement parallèle au minimalisme, à l’Arte Povera et au support-surface). L’école Mono-ha est le premier mouvement d’art contemporain au Japon à acquérir une reconnaissance internationale. Lee Ufan rejette les notions occidentales de la représentation, en se concentrant sur la relation des matériaux et de la perceptions plutôt que sur l’expression ou de l’intervention de l’artiste. Le Mono-ha présente les œuvres de matières premières à peine manipulées.

Au milieu des années 70, Lee Ufan commence sa carrière internationale en Europe. Il expose dans de nombreux endroits prestigieux tels que la biennale de Paris, Kassel Documenta…

En 1991, Lee Ufan commence une série de peintures « correspondance » qui se composent de seulement un ou deux coups de pinceau gris-bleu, sur une grande surface blanche.
La série sculpturale « relatum » est également minimaliste : chaque œuvre est composée d’une ou de plusieurs pierres rondes et sombres, contrastant avec des plaques métalliques rectangulaires.
Ce travail simplifié et retenu à l’extrême provoque une vibration étonnante dans l’espace, offrant au spectateur la rencontre des matériaux, brute (la pierre) avec la plaque de métal, industrielle issue du minerais…

Lee Ufan est proche de l’esprit oriental autour des questions du plein et du vide, de l’humilité de l’homme face à l’infini de l’espace, de la réflexion tournée davantage vers l’épure que vers l’accumulation.

Lee Ufan partage son temps entre Kamakura au Japon et Paris

« Effectivement, il s’agit d’écrire et de citer plutôt que de peindre et de faire. Plus précisément, c’est une co-écriture avec l’univers. Dans la culture chinoise, on l’appelle la manifestation du «souffle de l’écriture». Lorsqu’elle est en communion avec l’univers, cette écriture peut surpasser l’auteur et exprimer bien plus que ce que son auteur aurait voulu dire. Quand l’artiste est en relation avec l’inconnu sur la base de sa connaissance et de sa prémonition, il lui est possible d’embrasser le voilé. »

« La pierre et le fer viennent tous les deux de la Nature, à la différence près que la première correspond à la nature sauvage et le second à la nature apprivoisée. Une plaque de fer placée entre des pierres fonctionne comme un pont. Par sa neutralité, elle ouvre le passage vers la Nature. L’œuvre devient un lieu de médiation entre l’intérieur et l’extérieur. »

Peinture contemporaine Lee Ufan, From Point

Sculpture de Lee Ufan, Relatum

© Lee Ufan

Sources :
• Libération
• Lee Ufan

From Point, 1973, 163 x 130 cm
Relatum; 1979, 240 x 200,5 x 270 cm

du 10 mai au 21 juin 2012

Pour la cinquième édition de Monumenta invite Daniel Buren sous la nef du Grand Palais : « Excentrique » une forêt de cercles colorés plantés sur des piliers noir et blanc. L’immense nef se teinte de couleurs, dont l’intensité varie avec la météo. Les tons sont pastels lorsqu’il fait gris et deviennent éclatants lorsque les rayons du soleil percent la verrière.
Les visiteurs se promèneront sous cette cannopée épousant la quasi-totalité de la nef du grand Palais !

Daniel Buren reprend sa fameuse bande verticale (de 8,7 centimètres) pour habiller ses poteaux. La verrière sera habillée elle aussi par un film de couleur en son centre. Les « arbres » de tailles différentes ont des diamètres compris entre 2,5 mètres à 7 mètres

« C’est très intimidant. C’est un très beau bâtiment, donc pour moi il est plus dangereux que si c’était une friche industrielle »

« Les couleurs se mélangent comme j’espérais »

L’entrée principale monumentale sera condamnée, les visiteurs entreront du côté des Champs-Elysées près de la sortie du métro, Daniel Buren a même dessiné les deux billetteries et avanceront dans un « tunnel » faiblement éclairé pour découvrir d’un seul coup sa création colorée et spectaculaire.
A voir.

L’an dernier 280 000 visiteurs ont admiré l’œuvre d’Anish Kapoor « Leviathan ».

Prochainement une visite en image…

Pour en savoir plus :
• Monumenta
• Grand Palais

L’aile Ouest du Palais de Tokyo offre maintenant 22 000 m² à la création contemporaine française.

Les 16 500 m² de surface supplémentaire ont été réhabilités en dix mois par les architectes Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal. La direction du Palais de Tokyo est menée par Jean de Loisy, chargé d’y promouvoir la création contemporaine française. Son esprit : ouvrir ses nouveaux espaces aux artistes, de leurs gestes et augmenter ainsi leur capacité à percevoir, à imaginer et à ouvrir d’autres voies.

On ne peut que partager l’enthousiasme de Christian Marclay qui a animé les fenêtres d’images de bande dessinées chargées d’onomatopées dynamiques. A découvrir.

Les nouveaux espaces du Palais de Tokyo (travaux)

Pour en savoir plus :
• Palais de Tokyo
13, avenue du Président Wilson, 75 116 Paris
Métro : Ligne 9, stations Iéna et Alma Marceau
Bus : Lignes 32, 42, 63, 72, 80, 82, 92
RER : Ligne C, Station Pont de l’Alma

Damien Hirst, portrait

Première rétrospective de Damien Hirst dans une institution britannique, l’exposition rassemble des œuvres clés de plus de vingt ans et des sculptures emblématiques de la série Histoire Naturelle, y compris l’impossibilité physique de la mort dans l’esprit de 1991 (requin dans le formol). Sont également exposés, les vitrines Mille ans à partir de 1990, les armoires à pharmacie… L’installation en deux parties In et Out of Love, n’est pas exposée dans son intégralité mais reste un des points forts de l’exposition.

Damien Hirst est né à Bristol en 1965. Il a étudié au Goldsmiths College de Londres. En 1988, il a conçu et organisé « Freeze« , une exposition de son travail et celui de ses amis et camarades de classe à Goldsmiths. En seulement 25 ans, Damien Hirst est devenu l’un des artistes les plus éminents de sa génération. Beaucoup de ses œuvres sont largement reconnues, du requin suspendu dans le formol, l’impossibilité physique de la mort dans l’esprit d’une personne vivant (1991) et sa place, de spin et des peintures de papillons, par le biais d’œuvres plus tardives telles que le crâne de diamant, Pour l’amour de Dieu (2007).
« Le crâne est hors de ce monde, céleste presque. En même temps elle représente la mort comme quelque chose d’infiniment plus impitoyable. Par rapport à la tristesse larmoyante d’une scène vanitas, le crâne de diamant est la gloire elle-même.  » nous explique Rudi Fuchs, historien d’art.

Par sa démarche sur l’existence, Damien hirst remet en question notre prise de conscience et ses convictions sur les limites que le désir et la peur séparent, la vie et la mort, la raison et foi, l’amour et la haine. Damien Hirst exploite les outils et l’iconographie de la science et de la religion dans ses sculptures et ses peintures.
Pour Damien Hirst « Les quatre choses importantes dans la vie : la religion, l’amour, l’art et la science”… « Au mieux, ils sont tous les outils seulement pour vous aider à trouver un chemin à travers les ténèbres. Aucun d’entre eux fonctionnent vraiment très bien, mais ils aident. Parmi eux tous, la science semble être le droit en un maintenant. Comme la religion, il offre la lueur d’espoir que ce sera peut-être tout droit à la fin… »

Damien Hirst vie et travaille à Devon et à Londres, Royaume-Uni

1992 : Exposition Young British Artists chez Saatchi Gallery, Londres
1995 : Damien Hirst décroche le Turner Prize.
2004 : exposition solo au Museo Archeologico Nazionale, Naples
2005 : Astrup Fearnley Museet für Moderne Kunst, Oslo
2008 : Rijksmuseum, Amsterdam
2009 : Galerie Rudolfinum, Prague et The Wallace Collection, Londres
2010 : Musée Océanographique, Monaco, Museo di Palazzo Vecchio, Florence
2012 : Tate Modern, Londres

Damien Hirst expose avec la Gagosian Gallery depuis 1996.

Pour en savoir plus sur Damien Hirst :
• Tate modern
• Damien Hirst
• Galerie Gagosian
• Frieze Art fair

L'artiste Takesada Matsutani

Takesada Matsutani
Des années 60 à nos jours

17 mars au 5 mai 2012

La Galerie Richard nous offre la première exposition rétrospective de l’artiste japonais Takesada Matsutani.
Le Japon lui a consacré plusieurs expositions rétrospectives, le Musée d’art moderne de Kamakura & Hayama, la Galerie d’art Kanekoet à Tokyo et la Galerie d’art moderne Tsubaki. Le Guggenheim Museum à New York présentera en 2013 une grande exposition sur les artistes du groupe Gutai dont Matsutani était membre.

Takesada Matsutani est né à Osaka en 1937. Il étudie la peinture traditionnelle japonaise. Sa peinture devient de plus en plus abstraite et très vite expérimente une technique de coulée de colle vinylique donnant du relief à ses toiles. Son autre matériau de prédilection : la mine de plomb, qui recouvre ses peintures tout en finesse exacerbant une luminosité sensuelle.
Dès 1954, Takesada Matsutani fait parti du Groupe Gutai, fondé par Jiro Yoshihara avec 16 autres artistes. Les premiers artistes Gutai, de part leur productivité, sont plus généralement dans les musées ou chez les collectionneurs privés japonais. Le manifeste d’art Gutai inscrit “l’art Gutai ne change pas le matériau mais il lui donne vie.” Takesada Matsutani est bien plus présent sur le marché de l’art. En 1960 il participe à sa première exposition avec le groupe Gutai. Il reçoit une bourse pour venir étudier en France et s’installe à Paris en 1966 où il vit encore aujoud’hui.

Takesada Matsutani

Takesada Matsutani

Takesada Matsutani

Pour en savoir plus
• Galerie Richard
3, Impasse Saint-Claude 75003 Paris • 01 43 25 27 22
ouvert du mardi au samedi de 11 à 19 heures
métro : Saint-Sébastien Froissard ou Saint-Paul
autobus : 20, 29, 56, 65, 69, 76, 96

Beaucoup de nouveautés artistiques cette année contrairement aux années précédentes où seules les « grandes pointures » étaient présententes, et me semble t-il, un retour à de véritables démarches artistiques, ne proposant pas trop de conceptuel vide de créativité. Je me permets de vous présenter mon choix (très subjectif) d’artistes qui ont particulièrement retenu mon attention :

Sami Lukkarinen, Ingrid

Sami Lukkarinen

présenté par la galerie finlandaise Forsblom
Sami Lukkarinen est né en 1976, travaille à Helsinki
Ingrid, 2011, huile sur toile, 156x180cm
• Site de la Galerie Forsblom
• Site de l’artiste Sami Lukkarinen

Jim Delarge, Raccoon facial Flex

Jim Delarge

présenté par la galerie Gillig   
né en 1965, vit à Paris et travaille à Sèvres
• Site de la galerie Bertrand Gillig
• site de l’artiste Jim Delarge
Raccoon facial Flex – 50 x 50 cm 2011
Frizzby Herr Madsnake – 90 x 90 cm – 2010

Hervé Heuzé, Abîme, 2006

Hervé Heuzé

Présenté par la galerie Richard
Hervé Heuzé est né en 1964
• Site de la galerie Richard
Abime, 2006, 160 x 140
Abime, 2007, 220 x 200

Takesada Matsutani, Wave, 2008

Takesada Matsutani

Présenté par la galerie Richard
Né à Osaka, Japon 1937
Travaille et vit à Paris, France
• Site de la galerie Richard
• article sur Takesada Matsutani

Jeff Kowatch, Sancho and his bag

Jeff Kowatch

Jeff Kowatch est présenté par la Galerie Vieille du Temple
• Galerie Vieille du Temple
• Site de l’artiste Jeff Kowatch
Sancho and his bag – 2011 – 162×197 cm
Transparent Palace Cropped – 2011 – 203×285 cm

David Nash, Three Humps

David Nash

David Nash est présenté par la galerie Lelong
David Nash est né en 1945 à Esher en Angleterre
Site de la galerie Lelong
Three Humps, 2011
Bronze en 3 parties, EA Edition de 4 + 2 EA
90 x 76 x 67 cm / 200 x 88 x 82cm / 110 x 100 x 78 cm

Portrait du photographe Helmut Newton

Helmut Newton nait à Berlin le 31 octobre 1920, de père juif allemand et de mère américaine, le jeune Helmut s’intéresse très tôt à la photographie. En 1936, il devient l’élève de la photographe Else Simon, dite “Yva”.

En 1938, il quitte l’Allemagne nazie et émigre en Australie où il rejoint l’armée australienne.

En 1948, il se marie avec l’actrice australienne June Brunell, il travaille alors comme photographe indépendant, dans la mode et l’érotisme pour le magazine Playboy.

Dans les années 1950, Helmut Newton se consacre exclusivement à la mode.

En 1961, Helmut Newton s’installe à Paris point stratégique du monde de la mode. Ses photos apparaissent dans de nombreux magazines, particulièrement pour l’édition française Vogue. Son style est marqué par l’érotisme, sa mise en scène est stylisée et souvent violente.

En 1970, sa femme se lance aussi dans la photographie sous le nom d’Alice Springs.
En 2003, il lègue la totalité de ses archives à la ville de Berlin : Musée de la photographie.
A la fin de sa vie, il habite à Monaco et à Los Angeles, où il meurt en 2004 dans un accident de voiture à Hollywood.

Déesse, © Helmut Newton

Polaroid, © Helmut Newton

Polaroid, © Helmut Newton

Pour en savoir plus :
• Fondation Helmut Newton
• Helmut Newton par Wikipédia
• Grand Palais
• RMN
• Rétrospective d’Helmut Newton

Grand Palais, Galerie sud-est
 • 24 mars au 17 juin 2012

Depuis sa disparition, aucune rétrospective d’Helmut Newton n’a eu lieu en France, pays où une grande partie de son œuvre a été réalisée. Cette rétrospective créée par son épouse June Newton, rassemble plus de deux cents images, principalement des tirages originaux réalisés sous son contrôle : polaroïds, tirages de grands formats et œuvres monumentales.

L’exposition est enrichie d’un extrait du film “Helmut by June” réalisé par son épouse June Newton, alias Alice Springs, soixante années du photographe. La rétrospective reprend ses grands thèmes : la mode, le nu, les portraits, le sexe, l’humour. L’artiste a su malgré les contraintes des commandes exprimer sa vision nouvelle et unique du corps féminin contemporain.

C’est tout naturellement qu’Helmut Newton s’est rapproché du couturier Yves Saint-Laurent, car ils avaient la même démarche : nues ou en smoking, des femmes séductrices et dominantes, toujours impressionnantes. Ces femmes assument leur liberté de leur corps. Luxe, classe et volupté sont les caractéristiques de la Femme newtonienne.
L’exposition montre aussi d’autres thématiques plus secrètes de son travail.

Commissaire : June Newton, avec la collaboration de Jérôme Neutres, conseiller du président de la Réunion des musées nationaux – Grand Palais

Scénographie : Paul Kahlfeldt, Kahlfeldt Architekten, Berlin

Pour en savoir plus :
• Fondation Helmut Newton
• Helmut Newton par Wikipédia
• Grand Palais
• RMN
• Biographie d’Helmut Newton

Portrait d'Ai Weiwei

Un “doigt d’honneur” au pouvoir chinois

Ai Weiwei expose à la galerie du Jeu de Paume, à Paris. L’artiste est connu pour sa critique pertinente de la société, il expose ses provocantes photos et installations vidéo dans sa première rétrospective sur le sol français. Le style d’Ai Weiwei est éclectique, il passe de violents paysages urbains de Beijing, au paysage poétique d’un film, aux installations de sculptures monumentales…
Depuis son retour à Pékin et après une période à New York, l’artiste a travaillé sur des réalités sociales quotidiennes en Chine – la transformation urbaine, la recherche des victimes du tremblement de terre et notamment la mise à sac de son studio de Shanghai… Beaucoup de photographies ont été prises avec un téléphone mobile, Ai Weiwei nous les montre dans ses blogs et twitter. Cette forme d’expression,“l’activisme politique” bouscule les autorités chinoises, Ai Weiwei passe trois mois en prison l’année dernière et il est toujours interdit de quitter son pays.

Etude de perspective de la tour Eiffel - 19-203 - © Ai Weiwei

Etude de perspective place Tiananmen - 1995-2003 - ©Ai Weiwei

Pour en savoir plus :
Jeu de paume
1,place de la Concorde, 75008 Paris
Tel : +33 (0)1 47 03 12 50
• Galerie de Jeu de Paume
• autre article sur Ai Weiwei

© Ai Weiwei

Détail des graines

Un dixième de l’installation Sunflower Seeds de l’artiste chinois Ai Weiwei a été acquis par la Tate de Londres.

Cette oeuvre à la base est composée d’une centaine de millions de graines de tournesol en porcelaine, réalisées à la main par 1300 artisans chinois. En 2010, La tate Modern expose Sunflower Seeds sous forme d’un épais tapis dans son immense hall d’entrée. En 2011, le musée reprend une partie de l’installation pour former une sculpture conique de 1,5 m de haut, 8 millions de graines ont été nécessaire.

Ai Weiwei, fait référence à travers cette sculpture, aux représentations propagandistes de la Révolution culturelle. Mao était alors représenté par un soleil, des tournesols tournés dans sa direction représentaient le peuple chinois.

Sunflower Seeds, 2010 - Tate Modern - © Ai Weiwei

En savoir plus sur le lieu : Tate Modern

© Ai Weiwei – © Tate Modern

David Hockney expose à Londres

21 janvier au 9 avril 2012

La Royal Academy of Arts présente la première grande exposition des paysages de David Hockney. Avec des peintures vives inspirées par les paysages du East Yorkshire, ces œuvres de grande envergure ont été créés spécialement pour les galeries à la Royal Academy of Arts.

« David Hockney RA : A Bigger Picture » s’étend sur une période de 50 ans de travail de l’artiste et sa fascination de la représentation du paysage.
L’exposition montre aussi ses dessins réalisés sur iPad et une série de nouveaux films produits à l’aide de 18 caméras, elle offre un voyage visuel envoûtant à travers les yeux de David Hockney.

The arrival of spring in Woldgate East Yorkshire - 2011 - David Hockney

Pour en savoir plus :
• Exposition de David Hockney
• Site officiel de David Hockney

Tadao Ando • Francis Bacon • Jean-Michel Basquiat • Alexandre Calder • Maurizio Cattelan • Dan Flavin • Lucio Fontana • Alberto Giacometti • Keith Haring • Hans Hartung • David Hockney • Yoshio Honjoya • Anish Kapoor • Yves Klein • Yayoi Kusama • Claude Lévêque • Riccardo Licata • Juan Miro • Francois Morellet • Robert Motherwell •Yoshitomo Nara • Takashi Murakami • Bernard Pagès • Ernest Pignon Ernest • Robert Rauschenberg • Mark Rothko • Richard Serra • Pierre Soulage • Antoni Tapies • Richard Texier • Jean Tinguely • Cy Twombly • Claude Viallat • Andy Warhol • Erwin Wurm

Portrait d'Andy warhol

Andy Warhol est né sur 6 Août 1928 de son vrai nom Andrew Warhola à Pittsburgh. Ses parents, Andrej et Julia Warhola sont immigrants. Andy Warhol a deux frères, c’est le plus jeune.
Les Warhola sont de fervents catholiques byzantins, ils tiennent à leurs traditions d’Europe de l’Est. Le père d’Andy Warhol est ouvrier et abrite sa famille dans une maison de brique dès 1934. Andy Warhol fréquente l’école voisine et prend des cours d’art libres au Carnegie Institute (aujourd’hui Le Carnegie Museum of Art). Le dessin et le cinéma hollywoodien plaisent à Andy. A neuf ans, il reçoit son premier appareil photo et développe lui-même ses photos dans son sous-sol.
Son père meurt en 1942, l’année même où Andy est entré à la Schenley High School. conscient du talent de son fils, Andrej a économisé de l’argent pour payer ses études. Il obtient un baccalauréat en Beaux-Arts et devient illustrateur.

Andy Warhol à New York – Les années 1950

Peu de temps après son diplôme, Warhol s’installe à New York pour poursuivre une carrière comme illustrateur en publicité. Il débute dans le magazine Glamour en septembre 1949. Warhol devient vite l’un des illustrateurs les plus recherchés des années 50, remportant de nombreux prix. Son style est unique, il mélange ses sources photographiques et images tracées. Andy Warhol utilise aussi l’écriture excentrique de sa mère, avec qui il vivait.
Andy Warhol voyage autour du monde avec son ami Charles Lisanby en 1956. Ils visitent Hawaï et de nombreux pays d’Asie et d’Europe. C’est un moment important dans sa vie.
Warhol parfois expose son travail dans un restaurant branché : le Serendipity 3, situé à Manhattan Upper East Side.

Années d’usine – Les années 1960

Série de 32 "Soup Campbell" d'Andy Warhol

Dans les années 1960, Andy Warhol se consacre de plus en plus à la peinture. Il réalise ses premières peintures Pop, en 1961. L’année suivante marque le début de sa célébrité. Il débute par sa fameuse série de toile « soupe Campbell », très controversée dans le monde de l’art. Lors de sa première exposition, il ne vend pas une seule toile. Aucune réaction de la critique pour cette exposition, seule un galeriste voisin, David Stewart achètera et exposera des boites de soupe dans sa galerie en indiquant ; « Ici, on les vend moins chères »…
Peu de temps après, il commence une série de portraits de stars de cinéma, comme Marilyn Monroe, Elvis Presley, et Elizabeth Taylor.
Entre 1963 et 1968, Warhol travaille avec ses interprètes superstar et diverses autres personnes pour créer des centaines de films, écrits et improvisés, récits conceptuels, courts portraits – Empire (1964), The Girls Chelsea (1966), et les Screen Tests (1964-66).
Première exposition de sculptures en 1964 : des centaines de répliques de grandes boîtes des produits de supermarché, des boites Brillo Boxes et Heinz peintes en argent et connue sous le nom « The Factory ». Nom de son nouveau studio, « le » lieu où il faut être à New York. Andy Warhol entretient sa cour à Max Kansas City, une discothèque haut lieu de rencontre populaire parmi les artistes et les célébrités.
Andy Warhol élargit son art dans le domaine la performance, avec une exposition itinérante appelée multimédia Exploding Plastic Inevitable, qui présente The Velvet Underground, un groupe de rock. En 1966, Andy Warhol expose Wallpaper vache et les Silver Clouds à la galerie Leo Castelli.

Exposition – Les années 1970

Andy Warhol publie une grande série de livres d’artistes des années 1950. Il co-fonde « Interview », un magazine consacré au cinéma, la mode et la culture populaire. Ses derniers livres expriment sa philosophie (de A à B et vice-versa) (1975), expositions (1979), POPism (1980), et l’Amérique (1985). La plupart de ses livres sont basés sur des conversations transcrites.
En 1974, Warhol commence une série de Time Capsule : boîtes de carton qu’il remplis avec les matériaux de sa vie quotidienne, y compris le courrier, photos, art, vêtements, objets de collection, etc. L’artiste en produit plus de 600, véritable archives sa vie et son époque.
Tout au long des années 1970 Warhol rencontre des célébrités telles que Jackie Kennedy Onassis et Truman Capote… Il reçoit des dizaines et bientôt des centaines de commandes de portraits peints de riches américains, musiciens et stars de cinéma. Ses portraits de célébrités sont sa principale source de revenu. Fêtard régulier du Studio 54, la célèbre discothèque de New York, avec des célébrités comme Liza Minnelli ou Bianca Jagger.

L’image – Les années 1980

En 1984, Warhol collabore avec les artistes Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, et Keith Haring. Andy Warhol revient à la peinture avec un pinceau abandonnant brièvement la sérigraphie qu’il avait utilisé exclusivement depuis 1962.
Dans les années 1980, il passe beaucoup à la télévision, avec ses Fifteen Minutes d’Andy Warhol, diffusés par le câble à New York et à l’échelle nationale sur MTV. Il travail pour le cinéma (Saturday Night Live), apparaît dans un épisode de La croisière s’amuse et produit des vidéos de musique pour des groupes de rock (The Cars). Warhol signe aussi avec des agences de mannequins dans les défilés de mode et de nombreuses publicités.
Warhol meurt en 1987, il a 59 ans.

« Je n’ai jamais une seule idée, je suis Andy Warhol »

« Je transforme la réalité rebutante en objet de valeur »

« Pas de passé, pas de futur, rien que du présent immédiat »

Andy Warhol prône le quart d’heure de célébrité pour tous, avec un passage télé par exemple
« et alors ? » son expression favorite, tout dépend comment on prend les choses…

« Transformer le monde, c’est le rôle des artistes »

Pour en savoir plus :
• Andy Warhol

Merci pour le point de vue de l’artiste.
Bérangère

Cosmique, graphique, une beau voyage pictural.
Gérard

Après cette visite dans ce superbe endroit, je suis agréablement surpris de ne pas en avoir « Marre ».
Michel

Venu pour des toiles abstraites, je découvre des extrapolations épurées, parfois abstraites très intéressantes. Il est important d’avoir des explications sur la démarche pour apprécier pleinement le résultat. Très belle exposition de peintures et de sculptures. Un faible pour « Osmose » !
Jean-François

« Petit détail » devient grandiose ! Magnifique. Que de plaisir à voir, à revoir et même à posséder.
C. et A.

Merci de ce voyage dans l’espace.
Manceau

L’art du détail en couleur !

Pensez à motiver davantage les enseignants et leurs élèves autour de projets pédagogiques à partir de telles expositions. Les artistes sont disponibles pour intervenir dans les écoles (je pense). L’éveil à la sensibilité est primordiale.
Fabien

Liberté dans la matière
Figée d’absolu
et enfin définition merveilleuse.
Antoine

Antoni Tàpies

Antoni Tàpies peintre et sculpteur catalan âgé de 88 ans, nous quitte, c’est à mon sens l’un des plus grands noms de l’art contemporain. La Fondation Antoni Tapies lui rend hommage et exposera gratuitement ses œuvres mardi et mercredi à Barcelone.

Biographie d’Antoni Tàpies

Joan Miro Ferra né à Barcelone le 20 avril 1893, son père est horloger et sa mère ébéniste.

Portrait de Joan Miro

Joan Miro s’intéresse très tôt au dessin et à la peinture, malgré la réticence de ses parents, il se consacre à sa véritable passion : l’art.

Après son premier voyage à Paris en 1920, Miro décide de partager sa vie entre la France et l’Espagne. Il y rencontre Picasso et participe au mouvement Dada. Son exposition de 1925 à Paris est considérée comme un événement majeur du courant surréalistes. Mais c’est le dadaïsme qui le bouleverse tout particulièrement. Il montre une grande imagination, pleine d’humour et de fantaisie donnant une nouvelle vie aux objets qui l’entourent.

En 1926, Miro expérimente la technique du « grattage » avec Max Ernst sur des décors pour Serge de Diaghilev.

L’artiste explore d’autres techniques, les collages, le dessins et l’assemblage de matériaux divers. Miro a une idée en tête : révolutionner son art et se rapproche de la littérature et de la poésie.

Miró se marie avec Pilar Juncosa à Palma de Majorque le 12 octobre 1929 et devient l’amis de Pablo Picasso et de Kandinsky.

André Breton, l’un des fondateurs du surréalisme, parle de Miro comme « le plus surréaliste d’entre nous ». Miro affirme vouloir « tuer la peinture »(celle que l’on considère conventionnelle) Les toiles de Miro deviennent de plus en plus abstraites et les formes plus organiques et plus cellulaires.

Sculpture, Fondation Joan Miro à Barcelone

La Fondation Miro de Barcelone a été inaugurée en 1976 sur les hauteur de Montjuic. L’artiste fait une donation de 5000 dessins.

Miro meurt à 90 ans le 25 décembre 1983 à Palma de Majorque. L’œuvre de Miro est immense, tout simplement à la mesure de son talent, de son imagination. Sa vie, s’est construite dans une totale liberté et a échappé à toute convention artistique. Le Musée Joan Miro de Palma de Majorque a lui été ouvert, dans l’atelier de l’artiste, en 1993.

Fondation Joan Miro

La fondation Miró est dessinée par l’architecte et ami du peintre, Joseph Lluis Sert.
L’architecte Josep Luis Sert s’intéresse très tôt au travail d’Antoni Gaudí, il étudie à Paris en 1929 le travail de Le Corbusier. Ses premiers projets, qui sont caractérisés par une dominance de blanc et une profusion de lumière. En 1964, Josep Luis Sert réalise la Fondation Maegh à Saint-Paul-de Vence, dans un cadre sublime, que je vous conseille de visiter. Comme ces artistes peintres et sculpteurs qui ont collaboré avec l’architecte en créant des œuvres intégrées au bâtiment et à la nature : une cour (Giacometti), un labyrinthe peuplé de sculptures et de céramiques de Miró, des mosaïques murales de Chagall, un bassin et vitrail de Braque… un rêve. André Malraux, alors ministre des Affaires culturelles, déclarait le jour de son inauguration : « Ici est tenté quelque chose qui n’a jamais été tenté : créer l’univers dans lequel l’art moderne pourrait trouver à la fois sa place et cet arrière-monde qui s’est appelé autrefois le surnaturel. »
En 1976, Josep Luis Sert inaugure la fondation Miro à Barcelone, son bâtiment n’est pas sans rappeler celui de la fondation Maegh…

Fondation Maegh à Saint-Paul-de-Vence

Fondation Joan Miro à barcelone

Pour en savoir plus :
• Fondation Joan Miro à Barcelone
• Fondation Maegh à Saint-Paul de Vence
• L’architecte Josep Luis Sert

Devant l’inexistence d’exposition consacrée au néon, David Rosenberg, commissaire de l’exposition a sélectionné des œuvres majeures, ou inédite des années 50 à nos jours. Nėon – Who’s afraid of red, yellow and blue ? Présentera une centaines d’œuvres des artistes Dan Flaving, Lucio Fontana, Joseph Kosuth, Bruce Nauman, Claude Lévèque, les dernières œuvres de François Morellet, Sue Webster et Tim Noble… L’exposition conceptuelle se scinde en deux thématiques, le langage et le trait.

Nėon – Who’s afraid of red, yellow and blue ?
Du 17 février au 20 mai à la Maison rouge
10 boulevard de la Bastille, Paris
Site de la Maison rouge

Après une journée de mise en place des 40 toiles et 6 sculptures dans l’Espace Lucie Aubrac à Montmorency, le vernissage de mon exposition à débuté vers 19h ce mercredi 18 janvier en présence de François Detton, maire de la ville et initiateur de l’exposition. Un grand merci aussi, à toute l’équipe des services techniques pour le transport des œuvres, le service culturel pour l’organisation et particulièrement au soin apporté à l’éclairage des toiles…

Retour en images du vernissage de l’exposition (photos – Elsa Briault)

Exposition à Montmorency de peinture contemporaine

Vernissage de mon exposition à Montmorency

Sculptures en céramique, verre, métal et leds

6 sculptures de traces, céramique, verre, métal et leds

Eclairage soigné des toiles, Espace Lucie Aubrac

Vernissage de l'exposition, 40 toiles et 6 sculptures

Exposition des toiles de 160x160 et 180x180 cm

Pour en savoir plus :
• Ville de Montmorency
• Horaires d’ouverture : lundi au vendredi de 15h à 18h
Le samedi et dimanche de 11h à 13h et de 15h à 18h
Exposition jusqu’au dimanche 5 février
• Adresse : place du Château Gaillard, 95160 Montmorency

Les sculptures « Extrusion » nécessitent la fabrication de gouttelettes de verre comme figuration de flammèches de roche en fusion… Ces gouttes de verre sont perchées sur des fils d’acier inox ressort, ainsi elles prennent vie au moindre souffle…

Montée en température des tiges de verre

Fusion du verre au contact de la flamme

Formation de la goutte de verre par gravitation

Les flammèches en verre de Murano

du 17 janvier au 5 février 2012

Affiche de l'exposition de Laurent Marre

Espace Lucie Aubrac, centre-ville de Montmorency

J’expose pour la première fois à Montmorency 40 toiles et 6 sculptures dans le nouvel Espace Lucie Aubrac. 40 peintures, acrylique sur toile, du format 50 x 50 cm au 190 x 190… et 6 sculptures en céramique métal et verre avec éclairage indirect par leds rouges…

Pour en savoir plus :
• Ville de Montmorency
• Horaires d’ouverture : du lundi au vendredi de 15h à 18h
Le samedi et dimanche de 11h à 13h et de 15h à 18h
Vernissage ouvert au public le mercredi 18 janvier à 19h
• Adresse : place du Château Gaillard, 95160 Montmorency

Espace Lucie Aubrac de Montmorency

Agrandir le plan

Echelle de la toile

Cliquez sur l’image pour voir le tableau en entier

Année : 2012
Format : 190 x 190
Acrylique sur toile de lin

Autres vues de la toile :

Détail de la toile Contrôle

Toile contemporaine, acrylique sur toile, Contrôle, 190 x 190

Les flammèches de verre de Murano

La sculpture contemporaine Extrusion 6 est réalisée en céramique. Extrusion reprend la forme des Traces, prend du relief et de la lumière, le feu de la cuisson, avec ses flammèches faites de goutes de verre de Murano rouge comme la fusion de la roche…

Sculpture en terre cuite enfumée (vidéo cuisson Raku), acier inoxydable, verre de Murano, leds
Dimensions : 45 x 18 x 30 cm

Année : 2012

Autres vues de la sculpture :

Sculpture céramique, verre, métal et leds rouges, Extrusion 6

Sculpture céramique, verre, métal et leds rouges

Sculpture en terre cuite enfumée (vidéo cuisson Raku), acier inoxydable, verre de Murano, leds
Dimensions : 45 x 18 x 30 cm

Année : 2012

Autres vues de la sculpture :

Sculpture céramique enfumée, verre, métal, Extrusion 5

Sculpture céramique, verre, métal et leds

Sculpture en terre cuite enfumée (vidéo cuisson Raku), acier inoxydable, verre de Murano, leds

Dimensions : 45 x 18 x 30 cm

Année : 2012

Autres vues de la sculpture :

Sculpture en terre cuite, verre, métal et leds, Extrusion 4

Sculpture en céramique, verre, métal et leds

Sculpture en terre cuite enfumée (vidéo cuisson Raku), acier inoxydable, verre de Murano, leds

Dimensions : 45 x 18 x 30 cm

Année : 2012

Autres vues de la sculpture :

Sculpture en céramique, verre, métal et leds, Extrusion 3

Détail de la sculpture Extrusion 3

Les flammèches de verre de Murano

Sculpture en terre cuite enfumée (vidéo cuisson Raku), acier inoxydable, verre de Murano, leds

Dimensions : 45 x 18 x 30 cm

Année : 2012

Autres vues de la sculpture :

Les flammèches de verre de Murano

Cette oeuvre a été réalisée pour Estuaire 2007 et se situe au bout de l’Ile de Nantes, Quai des Antilles
Les Anneaux est une oeuvre inscrite dans un lieu chargé d’histoire, passée avec la grande aventure navale de la ville, et future avec l’un des plus grands projets architectural et urbains d’Europe.

Daniel Buren et l’architecte Patrick Bouchain ont installé une enfilade de 18 anneaux qui rythment la perspective de cette berge. Les anneaux forment le jour une série de bandes verticales métalliques argentées, et blanches, signature de l’artiste. La nuit, les anneaux sont lumineux rouges, bleus, et verts.

Daniel Buren est un des plasticiens français contemporains le plus connu au monde (Les Deux Plateaux dans la cour du Palais Royal à Paris (1986). En 1965, Daniel Buren met au point son “outil visuel”, un système alternant bandes blanches et colorées de 8,7 cm de largeur. Son art est reconnaissable, simple, minimaliste. Daniel Buren exploite son motif dans la rue, ses oeuvres deviennent des “outils pour voir”. Les Anneaux s’inscrit dans cette logique.

Daniel Buren met en évidence la double perspective qu’offre la pointe de l’Île de Nantes : celle, architecturale, le fleuve offre autant de découpages sur le paysage fluvial

Monumenta 2012

Daniel Buren est l’invité prochain de Monumenta 2012, du 10 mai au 21 juin, carte blanche à cet artiste contemporain pour investir la grande nef du Grand Palais, difficile après la monumentale œuvre d’Anish Kapoor en 2011. A suivre.

Sculpture Les Anneaux de Daniel Buren

Perspective des Anneaux de Daniel Buren

Vue de Nantes à travers Les Anneaux de Daniel Buren

Enfilade de 18 Anneaux sur l'Ile de Nantes

Les Anneaux de Daniel Buren, Nantes 2007

Structure par bandes argentées et blanches

Vue graphique des anneaux de Daniel Buren

Vue graphique des Anneaux, bandes de 8,7 cm

La ville de Nantes la nuit, à travers les Anneaux

Perspective de la pointe de L'ille de nantes la nuit

Invitation au voyage visuel dans la nuit

La Lune dans un anneaux de Daniel Buren

Perspective de nuit des Anneaux de Buren

Les anneaux, la nuit, Daniel Buren et patrick Bouchain

Jeu graphique des Anneaux

Jeu graphique des Anneaux

Jeu graphique des Anneaux

Jeu graphique des Anneaux

Jeu graphique des Anneaux de Daniel Buren

Jeu graphique des Anneaux

Proposition graphique des Anneaux

Jeu graphique des Anneaux

Pour en savoir plus sur Daniel Buren :
• Site de l’artiste Daniel Buren
• Le Grand Palais
• Monumenta
• L’architecte Patrick Bouchain

© Daniel Buren et Patrick Bouchain

Comme beaucoup d’œuvres de François Morellet, Detabilisation est le résultat de sa recherche dans le domaine de la géométrie et des formes mathématiques, résumées dans l’architecture du piétement de cette table, une sorte de tracé d’un cube incliné, sur le point de tomber.

Détabilisation est un objet de design minimal, renforcée par la transparence du plan de travail en verre, lui donnant ainsi toute sa légèreté. Une œuvre résolument contemporaine.

Détabilisation, table carrée (130)

Détabilisation, table rectangulaire, (280x130) de François Morellet

Les tables « détabilisation » sont chez Silvéra,
Ces tables ont été créées en 1966 et sont rééditées aujourd’hui par :
Tecno france, 27 rue Vaneau, 75007 Paris, leur site
Tel 01 42 44 26 30
Photo : © Max Zambelli

Portrait de l'artiste Gerhard Richter

Panorama est une grande exposition rétrospective de Gerhard Richter, qui regroupe les moments importants de sa carrière, couvrant près de cinquante ans de création.

Depuis les années 1960, Gerhard Richter explore, étudie la peinture dans tous les sens, englobant un large éventail de techniques et d’idées. Gerhard Richter Panorama montre bien l’ampleur et la diversité de son l’œuvre protéiforme. L’exposition offre des peintures réalistes basées sur des photographies, des abstractions gestuelles colorés, raclures, paysages, damiers de couleurs.

Gerhard Richter est l’un des premiers artistes allemands intéressé par l’histoire du national-socialisme, il peint des portraits de sa famille – membres du parti – , ainsi que des victimes du parti nazi.

Tout au long de sa carrière, Gerhard Richter continue de répondre à des moments importants de l’histoire, comme par exemple, une peinture des attaques terroristes sur le World Trade Center à New York en 2001.

Les amoureux de la beauté épique de Mark Rothko, Cy Twombly et Hodgkin aimeront sûrement cette exposition, comme ceux qui apprécient la précision cristalline du photo réalisme.

Gerhard Richter Panorama est organisée par la Tate Modern, en association avec la Nationalgalerie, le Staatliche Museen de Berlin et le Centre Pompidou de Paris

Quelques dates :
• Tate Modern, London : 6 October 2011–8 January 2012
• Staatliche Museen, Berlin : 12 February–13 May 2012
• Centre Pompidou, Paris : 6 June–24 September 2012

Pour en savoir plus :
• site de Gerhard Richter